ARTE MODERNO.

ARTE MODERNO.

1. Arte en la posguerra.

  La Segunda Guerra Mundial dejó como resultado una Europa destruida, políticamente dividida y económicamente arrasada. El continente debió, entonces, embarcarse en su propia reconstrucción dentro de un panorama de redistribución del poder a nivel global. Se denomina posguerra al periodo que comienza en 1945 luego del fin de la Segunda Guerra Mundial y se extiende hasta 1965. La victoria de los Aliados marcó el final de la hegemonía de Alemania sobre Europa y de Japón sobre Asia y, por lo tanto, determinó un cambio de dirección en la historia internacional. En lo que respecta al campo cultural también se observa un cambio caracterizado por el ascenso del dominio del arte contemporáneo estadounidense que reemplazó la histórica hegemonía francesa. En ese sentido, el arte se mostró como un campo de batalla donde se enfrentaron las dos fracciones en disputa: el “realismo socialista” propio de comunismo y la “abstracción” que representó al capitalismo democrático. El final de la guerra puso ante los ojos del mundo cómo la ciencia, en la que se basaba la utopía moderna, podía utilizarse para matar con una efectividad escalofriante: la bomba atómica tenía la capacidad de desaparecer una ciudad en pocos segundos y los campos de concentración nazis se establecieron como una cadena de montaje organizada para la eliminación de grandes poblaciones en poco tiempo. Las fotos del hongo nuclear y de las ciudades de Hiroshima y Nagasaki en ruinas fueron distribuidas rápidamente para mostrar, por un lado, el nuevo poder militar de Estados Unidos y, por otro, el poder destructor al que había llegado al hombre. De la misma forma circularon las fotos que documentaban los horrores de los campos de concentración como Auschwitz. Todo ese corpus de imágenes produjo un indeleble shock en la sociedad y sirvió de fuente para la producción artística que se orientó, angustiada, a pensar una nueva imagen del hombre con un pasado reciente y un presente complejo que todavía no se llegaba a comprender.

Europa Arte informal o un art autre 

Se conoce como arte informal o un art autre (un arte otro, diferente) a las producciones propias de la posguerra en Europa. Los artistas, convencidos de que el arte ya no podía ayudar a mejorar el mundo, se volcaron a una pintura abstracta, de realización impulsiva y espontánea que se proponía dar nuevas imágenes del hombre y del mundo que se encontraba destruido y fraccionado. El nombre Un art autre proviene del libro publicado en 1952 por el crítico de arte Michel Tapié, donde observaba que luego de 1945 se había producido una ruptura definitiva con todas las nociones tradicionales de orden y composición. Según Tapié, el arte que se producía era “otro”, diferente y apartado de lo conocido hasta ese momento. Ese mismo año, el crítico organizó en París una exposición con el mismo nombre donde presentó obras de Karel Appel, Alberto Burri, Willem de Kooning, Jean Dubuffet, Jean Fautrier, Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle y Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze). Para describir ese arte Tapié también utilizó el término informe, es decir, informal o que no tiene forma y esa denominación es la que más éxito tuvo.

Jean Fautrier

En las obras de Fautrier la abstracción se transforma en expresión. Los otages son pinturas realizadas con una densa capa donde la pintura se combina con brea, cemento, betún, arena o yeso para lograr una apariencia pesada y áspera. El soporte de estas obras es madera, para poder sostener los materiales que fueron trabajados con espátulas, punzones y otras herramientas que reemplazaron a los tradicionales pinceles.

LACORCHE

TETE

Jean Dubuffet

Según su punto de vista, la originalidad y la autenticidad residía en las producciones de los enfermos mentales, los niños y los artistas naïf a los que agrupó bajo la categoría de art brut o arte en bruto.

MICHEL

 

Georges Mathieu

 Reconocible por sus grandes bigotes y sus llamativos atuendos, Mathieu mostraba públicamente cómo pintaba sus cuadros, en los que acometía contra la tela con movimientos rápidos y cargados de emoción. 

Alberto Burri

La fuerza expresiva de sus composiciones radica en lo burdo del material, sus pliegues y arrugas que recuerdan cicatrices y suturas. Esa alusión proviene de su primera profesión, ya que Burri fue médico y comenzó a pintar mientras estuvo preso en la campo de prisioneros de guerra.

Antoni Tàpies

Sus cuadros de enormes dimensiones están realizados con pintura a la que incorpora polvo de mármol o arena para lograr una apariencia áspera. Sobre ese material realizaba rasgaduras, marcas y raspados. Predomina el color tierra, sobre el que se imprimen pinceladas en negro o en algunos casos en amarillo. Algunas de sus obras recuerdan paredes o vallas en malas condiciones, a punto de desmoronarse

Jackson Pollock

Sus obras parten de la tela expandida en el piso sobre la que el artista chorrea la pintura desde el pincel o directamente desde el tarro de pintura. Los colores se impregnan sobre el lienzo en forma de goteados, salpicaduras y manchas. El espacio es continuo ya que no hay figura sobrepuesta a un fondo. El tratamiento es pictórico y el movimiento del cuerpo sobre la tela es lo que determina la composición. El gesto que era propio de los artistas informales europeos aquí queda suprimido, ya que Pollock no utiliza ni el pincel ni sus propias manos. En una segunda etapa en la realización de la obra, Pollock observa, completa y equilibra la composición para que de una sensación de all over, donde la obra presenta equilibrio y armonía cromática

Mark Rothko 

 En sus obras trabaja con capas de pintura muy diluida para lograr un efecto de transparencia veladura. En el centro de las composiciones coloca más carga cromática que se diluye hacia los bordes, lo que produce un efecto vaporoso, de carácter atmosférico. Así, logra un efecto de vibración del color puramente perceptual.

Artistas modernos

IMPRESIONISMO

Sus obras tienden a asociarse con la pintura de paisajes realizada al aire libre, la pincelada libre, espontánea, y evidente y una paleta de colores claros. Si bien estas características son comunes y están presentes en algunos de los artistas que forman parte del grupo, el Impresionismo como tal tiene bases más profundas que se asientan, por un lado, en la discusión sobre el lugar de la pintura y, por el otro, en la investigación científica.

Édouard Manet

El punto es que Manet realizó citas a la historia del arte para esta composición moderna, tomando obras que él había estudiado durante sus viajes y habían atraído su atención. Su objetivo al pintar el Almuerzo en la hierba fue actualizar esas fuentes del pasado para que sirvieran como modelo para la obra del presente moderno.

 Manet rechaza la forma de pintar de los artistas académicos y prefiere los fuertes contrastes de luces y sombras

Claude Monet

El interés de Monet por la vibración de la luz en el vapor y las nubes se desplegó en una serie de obras que realizó sobre las estaciones de trenes

Renoir

Las pequeñas motas de sol que se observan sobre los trajes de los asistentes demuestran el interés del artista en captar la sensación misma de la luz y la captación de los colores. Asimismo, el espacio está algo rebatido en el segundo plano donde la pareja baila. Estas situaciones atestiguan el alejamiento del interés mimético típico de la pintura académica y, por lo tanto, de la rígida perspectiva matemática.